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El legado de Miles Davis & “Kind of Blue”

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The legacy of Miles Davis & “Kind of Blue”

LA LEYENDA DE LA SOMBRA AZUL DE
MILES DAVIS & “KIND OF BLUE” EN EL JOHNNY

Alejandro Reyes

MÚSICOS DE MILES DAVIS EN EL JOHNNY

CARTELES DE ALGUNOS DE LOS PRINCIPALES BATERISTAS
DE MILES DAVIS QUE HAN ACTUADO EN EL JOHNNY

A simple vista, Portico Quartet son un grupo de veinteañeros que tocan música instrumental. Una formación creada hace cuatro años a partir de dos grupos de compañeros de colegio, que comparten una casa en East London, con la intención de grabar y actuar en clubs y festivales. Sin embargo, lo que distingue a Portico de las docenas de aspirantes provenientes del popular barrio de Hackney en Londres, es la forma en que su sonido -una fresca e inclasificable síntesis y reinvención de la música- resulta al mismo tiempo gratamente familiar y sorprendentemente nuevo. Como si se tratara de algo reconocible pero, a la vez, proveniente de un futuro próximo. Mostrando grandes recursos acústicos -percusión, bajo e instrumentos de viento- se han conjurado con una firma de grupo inmediatamente reconocible. Gracias a la utilización del Hang, un instrumento de percusión que compraron por un impulso en un festival de música, han conseguido un sonido que es inmediatamente atractivo, pero sin compromisos individuales, y es esto, combinado con la elocuencia alegre de sus actuaciones, lo que les ha llevado a recorrer un largo camino en un corto espacio de tiempo. Isla, su nuevo álbum, es otro paso adelante. El productor Leckie ha dado una claridad adicional a sus arreglos, mientras que los músicos han hecho buen uso de los estudios para esculpir y mejorar su sonido con pedales loop, electrónica a tiempo real y remezclas. Aún así, el 70 por ciento del álbum fue interpretado en vivo en Abbey Road: se trata de una banda que puede cumplir la promesa de sus grabaciones en concierto, y viceversa. Sus composiciones escritas colectivamente evocan un universo de posibilidades e influencias musicales. "Con el tiempo, la suma de todas nuestras partes, sumado a lo que hemos estado escuchando, termina dando resultado", dice Wyllie. Cada uno de los nueve temas en Isla tiene un estado de ánimo y una atmósfera diferentes, permaneciendo fieles a su universo musical. Desde el torbellino de agitación de Clip-per, a los poderosos golpes de pedal de Dawn Patrol; de la fragilidad de las frases repetitvas de Line al crescendo del conjunto en la canción que da título al disco, Isla; este es un disco cuyo contenido revela nuevos matices y facetas en cada escucha.

La nueva estrella José James está definiendo una nueva dirección en la música contemporánea, combinando blues urbano, hip hop, soul, drum and bass, siempre hacia adelante para producir un sonido que es tan fresco como el mañana aunque profundamente arraigado a la tradición del jazz. La publicación de su primer trabajo en la discográfica Brownswood del dj internacional y productor Gilles Peterson, refleja su pasión por la diversidad, cantando desde el blues sagrado “Spirits up above” de Rashaan Roland Kirk junto al legendario pianista Junior Mance; dando una visión contemporánea a “Nola” de Bill Lee y añadiendo una sensibilidad jazzística al encuentro del Hip Hop con el soul setentero del clásico “Park Bench People”. En este trabajo también se incluyen composiciones originales que navegan desde el soul jazz, hasta las mezclas de drum & bass con soul de “love”, hasta un himno rockero para amantes (blackeyedsusan); Se incluyen también alguna balada con poema (The dreamer, dedicado al Reverendo Martin Luther King). Tras haber recibido la atención de los principales medios ingleses el álbum “The Dreamer” de José James puede ser considerado como uno de los mejores discos de jazz publicados en 2008.
“En ‘The Dreamer’ Jose James puede ser muchas cosas. Un rapero que canta como Johnny Hartman, el vocalista menos jazzistico de la historia del jazz; una voz rotunda. Alguien de Brookling, Nueva York, que gasta zapatillas Adidas y dedica su arte al Altísimo. Un moderno, vamos. De donde esos aromas sesenteros que hoy florecen como setas en invierno. Música original en un 90 % hecha para perderse en ella. Ateos, abstenerse”. Chema García Martínez

El Jazz se originó en Estados Unidos. Una música basada en las estructuras melódicas y armónicas de la tradición clásica europea y muy influido por el sentimiento rítmico de los africanos que fueron traídos como esclavos a América, se ha desarrollado mucho más allá de sus raíces. Más tarde los europeos dieron la bienvenida con los brazos abiertos al jazz y la improvisación y formó parte del paisaje musical del continente. El primer desarrollo independiente del jazz europeo se remonta a Django Reinhardt y su quinteto "Hot Club de France". Una amplia y original contribución europea al jazz fue el "free jazz". La identidad independiente y la intensidad de la expresión que se ha desarrollado desde entonces, nos permite hablar de un jazz europeo verdadero o "Euro-Jazz". Por supuesto, esta expresión no tiene nada que ver con la estilizada "Jazzed up" la música tradicional europea. La European Jazz Ensemble nos trajo a todos algunos de los principales músicos de la Euro-Jazz. Formado en 1976 como un quinteto con Alan Skidmore, Leszek Zadlo, Gerd Dudek, Ali Haurand y Pierre Courbois, la ensamble cambió radicalmente en 1982. Ali Haurand y Gerd Dudek se mantuvieron y se unieron E. L. Petrowsky, Allan Botschinsky, Manfred Schoof, Rob van den Broeck y Tony Oxley, desde 1988 junto a Tony Levin, forman el grupo base de la European Jazz Ensemble. Para el tour que hicieron en 1989 con motivo del 13º aniversario, fueron invitados a participar Enrico Rava, Philip Catherine, Uschi Brüning y Louis Sclavis. En 1991 la European Jazz Ensemble con Joachim Kühn se reunieron con Khan Family de la India. Para la gira del 20º aniversario en 1996, la ensemble invitó a participar a Charlie Mariano, Joachim Kühn, Enrico Rava, Conny Bauer, Jiri Stivin, Daniel Humair, Tony Lakatos y Rolf Kühn. En 2001 por el 25 aniversario los invitados de la ensemble fueron el trompetista italiano Paolo Fresu y Austrian Bassplayer Adelhard Roidinger. En 2002 fueron a Estados Unidos para realizar una serie de concierto en Nueva York y en el Rochester Jazz Festival. Ha partir de ahí han realizado giras por todo el mundo. Es la segunda vez que nos visita a Madrid, pues estuvo en el Festival de Jazz de Madrid por primera vez en los años 80 y fue entonces considerado como el mejor grupo que actuó del programa. De verdadero lujo se puede considerar la presencia de esta veterana agrupación europea en el San Juan Evangelista, integrada por excepcionales músicos.

Stone in the Water (ECM, 2009) es la última grabación del pianista italiano Stefano Bollani con su trio danés. Bollani ya había grabado anteriormente para este sello, en piano solo y en dúo con Enrico Rava, pero este registro supone para Jesper Bodilsen y Morten Lund su estreno en la marca alemana. Los tres músicos afrontan un programa fascinante que incluye nuevas composiciones de Bollani y Bodilsen más baladas de Caetano Veloso y Antonio Carlos Jobim. También música de Poulenc, Improvisation 13 en mineur, consiguiendo un nuevo y fresco colorido para el género del trío de piano. El pianista italiano Stefano Bollani inició su colaboración con el contrabajista Jesper Bodilsen y el baterista Morten Lund en 2003. El entendimiento entre los tres músicos fue excepcional desde el principio y sus trabajos discográficos han sido muy apreciados por la crítica llegando a vender varios miles de copias. No hace falta ser músico para comprender lo que Jesper Bodilsen explica cuando dice: “Lo fascinante de tocar con Stefano es su brillantez musical. Nunca sabes qué va a pasar: todo lo que sabes es que hay una gran inspiración. Su música combina virtuosidad y sentido del humor con algo bien profundo”. Esto ocurre, en parte y probablemente, por el hecho de que Bollani se expresa con facilidad en muchos idiomas musicales. Su preparación tiene origen en la música clásica pero ha tocado jazz y pop desde su adolescencia, incluso en un momento pensó en continuar su carrera como vocalista. Su diversidad y apertura de ideas son dos puntos importantes que comparte con Jesper Bodilsen y Morten Lund. Tras 15 años de colaboraciones en numerosos proyectos, estos dos músicos son con posibilidad el más sólido tándem contrabajo/batería de su generación dentro de la escena danesa del jazz.

Djabe es la banda de jazz más importante de Hungría. El grupo ha recibido el reconocimiento unánime de crítica y aficionados y ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales desde su fundación, hace doce años. Desde 2002 han dado conciertos en treinta y seis países en toda Europa, Asia y América del Norte. En 2007 comenzó a realizar conciertos regularmente con el antiguo guitarrista de Genesis, Steve Hackett. Djabe es una de las bandas húngaras más invitadas por los festivales internacionales. Reproduce una música única en la que los elementos del jazz se mezcla con la música de varias regiones de Hungría y músicas del mundo. El principal compositor de la banda es Tamás Barabás, que al mismo tiempo es el más virtuoso bajista de Hungría. El jazz y la auténtica música húngara están presentes simultáneamente en la obra del trompetista y violinista Ferenc Kovács. Según Archie Sheep, que trabajó con Ferenc Kovács en varias ocasiones "es uno de los mejores violinistas del mundo y, además, toca la trompeta como Miles Davis". También trabajó con Dave Murray, Balanescu y Hamid Drake. El pianista Zoltán Kovács, realiza con los teclados un variado “juego de colores”, que a veces tiende a ser clásico, aumentando en gran escala el nivel de rendimiento de la banda. Djabe significa la libertad en el lenguaje de Ashanti de África. El fundador de la banda es Attila Égerházi -toca la guitarra y es también el líder- interpreta esta libertad principalmente mediante la libre mezcla de los estilos y de los instrumentos. El baterista de Djabe, Szilard Banai, es uno de los más talentosos bateristas de jazz en Hungría, su afianzado toque da a la banda un fondo rítmico inmejorable.

Nils Wogram es uno de los más importantes músicos europeos de la generación más joven. Participa frecuentemente en giras y festivales por toda Europa y otros continentes. En la actualidad tiene varias bandas en activo. Nació en Braunschweig, Alemania, en 1972. A los doce años empezó a estudiar música en la Braunschweig School of Music y ganó varios premios en el concurso Jegend musiziert, así como otros premios y distinciones tanto en música clásica como en jazz. En 1989, entró a formar parte de la German Federal Jazz Orchestra dirigida por el mundialmente famoso Peter Herbolzheimer. Tres años después, se mudó a Nueva York gracias a una beca que le permitió estudiar arreglos, composición y trombón en la Universidad de esa ciudad. La personalidad musical de Nils Wogram une a un despreocupado visionario del jazz y un romántico transfigurado. En Nostalgia consigue poner convincentemente estos dos caracteres juntos y en armonía. En el proceso, toda melancolía desaparece. Aunque Wogram alude a la nostalgia, nada tiene que ver con ese tipo de nostalgia que roza lo kitsch. Su concepto de la nostalgia también es ajeno a ese sentimentalismo viejo y carente de elegancia del que a menudo se acusa al jazz alemán. Nostalgia traspasa la frontera entre el siglo XX y el XXI tan fácil y alegremente como las de Europa y América. Nostalgia para Wogram, Ross y Terzic significa también un fino sentido de la ironía. Es como conducir por la autopista, ir como un rayo hacia tu destino pero sin quitar un ojo del espejo retrovisor. No es una partida y tampoco una llegada sino precisamente el tramo que queda justo en medio. Pero Wogram, Ross y Terzic están a años luz de aproximarse a un revival del swing tipo Roger Cicero. Para el Nostalgic Trio, swing significa interpretar un recuerdo de la idea del swing. Aunque hay que ser extremadamente cauto a la hora de anunciar el nacimiento de un nuevo género, no sería del todo equivocado decir que este álbum abre las puertas a un potencial género de “free swing”. Las improvisaciones de estos tres músicos van mucho más allá de los límites de los habituales solos. Abstracciones colectivas, ensamblajes, extrapolaciones al más alto nivel. La música está llena de detalles inesperados y giros que de repente cambian de rumbo y se dirigen en otra dirección. El futuro empieza ayer.

Bo Gustav Stenson, conocido como Bobo Stenson, nació en 1944. Este pianista de jazz sueco empezó a hacerse notar en 1963, cuando comenzó a tocar con frecuencia en Estocolmo, donde acompañó a una larga lista de músicos visitantes estadounidenses como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton. También trabajó estrechamente con Don Cherry desde el principio de la estancia del trompetista en Escandinavia. Los años 70 fue un periodo intenso para Bobo Stenson, tocando en muchos grupos, entre ellos la antigua banda de Rena Rama con Palle Danielsson y formó un trío muy popular junto a Arild Andersen y Jon Christensen, más tarde también con Jan Garbarek. En 1988 se incorporó al cuarteto de Charles Lloyd con el cual estuvo en el año 1990 en el San Juan Evangelista, dentro del 10º Festival de Jazz; y ha participado en los festivales más importantes de jazz con el septeto de Tomasz Stanko.
No hay otro trío de jazz contemporáneo con un líder como pianista que su música abarque la más amplia gama de registros musicales como los suecos Bobo Stenson Trio. Su nuevo álbum “Cantando” en el que la base de sus temas es de su actuación en Barcelona, se caracteriza por su largo alcance: composiciones originales, improvisaciones de grupo, stándars, la música de Astor Piazzolla, Ornette Coleman y Alban Berg, del compositor checo Petr Eben, una balada cubana de Silvio Rodríguez, una pieza de Don Cherry inspirada por la música kora del África Occidental... Todos estos elementos se encuentran en el rico sonido del Trío Stenson. Stenson pronto llegó a ECM con una amplia comprensión de los enfoques del piano moderno en el jazz, y co-dirigió una de las bandas más influyentes de la década de los 70, el Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet. Su asociación musical con el bajista Anders Jormin (nacido en 1957) data de la década de 1990, cuando tocaban juntos en los grupos de Don Cherry, Charles Lloyd y Tomasz Stanko. Anders, con su profundo interés en las formas populares, así como en el jazz tradicional, ha traído nuevos colores a la música de Bobo. El noruego Jon Christensen fue durante muchos años el baterista del trío, hasta que en 2004 se unió en Estados Unidos al veterano Paul Motian en el álbum "Goodbye". Durante los tres últimos años el joven músico sueco Jon Fäit (nacido en 1979) ha ocupado el taburete del baterista. Un músico interesante y flexible, que combina ondas de energía con una atención meticulosa a los detalles, Fäit se involucra en movimientos rápidos dialogando con sus distinguidos colegas.

Nacido en Roma en 1949, Enrico Pieranunzi es, desde hace muchos años, una de las referencias más conocidas de la escena jazz internacional. Pianista, compositor y arreglista, ha grabado más de 70 discos a su nombre, con diferentes formaciones, desde el piano solo al trío, del dúo al quinteto, colaborando, en directo o en estudio, con figuras cuales Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson, Joey Baron. Ha llevado su música a los escenarios de todo el mundo actuando en los más importantes festivales internacionales, de Montreal a Copenhagen, de Berlín y Madrid a Tokio, de Río de Janeiro a Pekín. Desde 1982, actúa con mucha frecuencia en Estados Unidos, sobre todo en Nueva York y San Francisco. El festival Spoleto Usa 2007 (Charleston; Carolina del Norte) ha querido homenajearle poniéndole en cartel en tres diferentes formaciones, piano solo, dúo y trío. Además, de 4 días en concierto en el Birdland de Nueva York en octubre 2008, la etiqueta CamJazz sacará 2 cds en directo, uno en trío con Steve Swallow y Paul Motian y otro en quinteto con Diego Urcola, Yosvany Terry, John Patitucci y Antonio Sánchez. En el anual referéndum “Top Jazz” de la revista “Musica Jazz” ha sido elegido por tres veces (1989, 2003 y 2008) mejor músico italiano. Ha sido galardonado en 1997 en Francia con el “Django d’Or” como mejor músico europeo y en 2005 con análogo reconocimiento por parte del Guinnes Festival de Cork (Irlanda). En 2008, con el disco Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti propone interpretaciones de las sonatas del celebre compositor e improvisaciones originales en ellas inspiradas. Su último trabajo, Wandering, en piano solo, ha recibido críticas muy alentadoras por parte de la prensa especializada y le está permitiendo girar por toda Europa y América del Norte. Han dicho sobre él: “Pieranunzi es un pianista de lirismo intenso, capaz de tocar swing con energía y frescura y, al mismo tiempo, no perder nunca su capacidad poética. Su música canta.” (Nat Hentoff). “Enrico Pieranunzi inyecta nueva linfa en el jazz contemporáneo” (Ray Spencer, Jazz Journal). “Recordad su nombre, perdeos en su música” (Josef Woodard, Jazz Times)

La filosofía de este proyecto se centra en basar improvisaciones jazzísticas elaboradas sobre repertorio escrito por nuestros grandes compositores clásicos de todos los tiempos (Albéniz, Granados, etc, etc). Tal repertorio jugará con la inclusión de temas conocidos de dichos compositores con otros no tan populares para – así – ofrecer música que no esté basada siempre en lo más“ famoso “ y sacar a la luz obras menos versioneadas, pero de igual valía musical. Para tal proyecto, su líder –el baterista Carlos “Sir Charles” Glez. – ha escogido una variada tímbrica. Así, los instrumentistas elegidos para la sección de viento (Marcelo Peralta, David Herrington y Cheryl Walters) pueden interpretar varios instrumentos de sus respectivas familias con lo que la variedad tímbrica está asegurada y, por ende, abolida la monotonía sonora. La inclusión del contrabajo en la formación ofrece el contraste de un instrumento de cuerda con presencia solista. Por otro lado, siendo los integrantes del grupo partidarios de las estéticas jazzísticas más libres del Jazz actual, en la música del grupo hay un interesante balance entre lo más atrevido y lo más ortodoxo. Los arreglos musicales del proyecto “De Aquí” vienen de la pluma de Pablo Muzquiz, veterano contrabajista de la Orquesta Nacional de España, quien aglutinando amplios conocimientos en ambos mundos musicales, le hace ser el arreglista idóneo para este proyecto (actualmente compagina sus actividades dentro de la orquesta con el liderazgo de su propia formación jazzística “ Cuerjazz”)